工业题材的油画的色彩如何把握

1. 如何理解油画中的色彩关系以及油画色彩底纹

如何理解油画中的色彩关系
一、油画色彩关系 所谓色彩关系，在这里主要是指物体在不同的光照下其色彩产生变化的一般规律。长期以来，人类一直都是更多地通过直观去认识物体的色彩，那时人们的思想中只有固有色的概念，即所谓的红太阳、黄土地、白云、蓝天……只有近代自然科学的发展才给我们提供了新的有关色彩的知识，从此人类终于懂得了大自然之所以呈现出五彩缤纷、万紫千红，是由于各种不同的物体吸收或反射光波的能力有所不同的缘故。于是认识到除了物体本身的固有色以外，对物体所呈现的色彩起重要作用的还有光源色和环境色。

人类很早就发现了色彩的冷暖关系，即凡是偏红、黄的颜色都属暖色，而凡是偏蓝、绿的颜色都属冷色。暖色通常都给人造成一种亢奋的刺激，而冷色则给人留下一种退缩的感觉。灵活地运用色彩的冷暖对比，可使我们在画面上创造出强烈的空间感觉。绘画中的冷暖又是一个相对的概念，或冷或暖依对比而言。一个有经验的色彩画家会非常迅速和恰如其分地把握画面色调微妙的冷暖变化，并且主动大胆地去运用这种关系，使之服务于自己的艺术创造。而对一个初学者来说，学习如何去掌握和拥有这种能力，则是一个相当重要的课题。因为客观物象色调的冷暖变化，常常并不都是那样鲜明的，它们常常处于一种模糊的状态之中，只有当我们掌握了这种色彩知识，才有可能去进行正确的认识和判断。

我们将任何一个原色与另两个原色相混合所构成的间色相加就可获得完整的日光的颜色，于是我们可以从中认识到色彩的三组互为补充的关系（即补色关系）。红——绿（蓝十黄）蓝——橙（黄十红）黄——紫（红+蓝）原色都是最为纯净的色彩，而只要我们在其中加入对比色的成分它就会马上显得混浊起来，而且越是保持原色状态的颜色对比越强烈，加入对比色（间色）的成分越多，色彩的对比越弱。可以说能否熟练地掌握色彩的冷暖对比和补色关系，是我们能否学好色彩的一个极为重要的关键，在这个问题上也同样没有什么捷径可走，只有经过长期的刻苦训练，才有可能掌握并且得心应手地运用这种色彩表现的语言。
二、油画色相 色相就是色彩的倾向，即色彩的姓甚名谁，其实即便是最为含混不清的各种灰色也自有其明确的色彩倾向。辨别的方向仍旧和前面所介绍的一样，只要我们把各种不同的灰色放在一起去进行比较，马上就会判明哪块颜色偏红灰、哪块颜色偏绿灰，或者黄灰、紫灰……一幅缺乏明确的色彩倾向的绘画作品是令人乏味的，而一个色彩画高手恰恰十分擅长去设法从那种极为接近的色相中找出一些微妙的倾向来。这对初学者而言肯定也是一道大大的难题，因而他们的画面色彩一般都会显得单调、晦暗、呆板。在古典油画时代，由于那时的画家作画时更多的是依赖于画面的素描关系，因而那时的油画基本上都是“酱油色调”，很少看得出多少明确的色相来。今天的现代油画使这一切都从根本上得到改观，许多现代画家的油画作品可以说就是用纯色画出来的，这就是为什么当们参观现代油画展览时往往总能够感受到一种清新的空气与生命的激情。
三、油画色度 色度是指色彩的明暗与深浅的程度，也叫明度。若用未经严格训练的眼睛去恰如其分地分辨色彩的色度是很困难的。比如说直接从锡管里挤出来的红颜料和绿颜料，由于红色更能刺激人的眼睛，一般人很可能会觉得之比绿色更亮。但如果我们把它拍成黑白照片，说不定你会发现它们的深浅程度原来是一样的。区分不同色相而色度又很接近的色块的深浅，同样需要用比较的方法。如果我们不能在画面上区分出各色块的微妙的色度关系，那么这幅作品肯定就表现不出丰富的素描层次来。
四、油画纯度（饱和度） 纯度是指色彩纯净的程度。纯度这个概念也与色相密切相连，一般的情况下越是色相明确的颜色纯度越高（白色或某些带粉质的颜色除外）。原色是最为纯净的颜色，因而有最高的饱和度。相反，调和次数越多或者加粉、加黑越多的颜色就越缺乏饱和度。一幅色彩艳丽的绘画作品上至少总要有那么或大或小的一块或几块饱和度比较高的色彩。完全没有饱和色的画面肯定是疲软无力的；反之饱和度一旦超过了画面的需要时，又会使人觉得色彩浅薄、单调。这时我们就要设法降低它，方法也是调入各种对比色、灰色和带粉的颜料。

2. 油画风景中色彩如何把握

色彩的运用与把握在油画风景写生中是最重要的环节之一。

一天之中，根据阳光光线的不断变化，大自然的色彩也是在不断变化中的。那么，我们要如何把这种变幻中的色彩搬到画面上，就是风景油画写生的灵魂所在。

需要注意的有以下三方面：一是色彩在画面上的整体运用，整幅画面的色调是否协调。



二是色彩与色彩之间的组织结构关系，如色相关系、明度关系、面积关系、位置关系等。



以大自然的固有色为基础色，加上自然界的光源色、环境色、空间色以及画家自身的艺术加工，把画面的色彩排好顺序。

3. 油画的绘画技巧

油画的绘画技巧

油画是西洋画的主要画种之一。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。下面我给大家介绍油画的绘画技巧，希望对大家有所帮助，欢迎阅读!

油画的绘画技巧

1 揉

油画中揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接混合的方法，颜色混合后产生自然的混合变化，可以获得微妙而色彩倾向鲜明的颜色及明暗对比，还可起到过渡衔接的作用。

2 线

指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软的狼毫油画笔，不同的绘画风格中，圆头、尖头和旧的扁笔也可勾画出中锋般的线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在古典油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线形式是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体积为主，尽管如此，油画中线的因素也未消失过。或精细或随意以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线处理十分重要。东方绘画的用线影响了很多西方现代大师，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗等都是用线的高手。

3 挫

运用油画笔的根部落笔的着色的方法，按下笔后稍用力，挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲有力。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

4 拍

以宽油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，把效果减弱。

5 拉

拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等，这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面，画刀画出的形体坚实肯定，是画笔或其它方法难以达到的。

6 刷

刷一般使用大画笔，用画笔的中前段在画面刷，通常刷时用较稀薄的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，刷是画面中大关系底色的常用方法。

7 砌

砌的方法是用刀代替画笔，像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去，直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化，刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合，任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌平。砌的方法如果使用得当，就会有很强的塑造感

8 抑

抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起，颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。

9 点

点--众法自点始，一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中，点画法就是～种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一，但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端，机械地将点作为其唯一的笔法。现代写实油画中也有沿用以点的疏密来产生明暗层次的，可以造成肯定又不死板的过渡。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比，用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触，对表现某些物体的质感能起独特的作用。

10 划

划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。

11 扫

扫常用来衔接邻接的色块，使之自然含蓄，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻的色彩效果。

12 跺

指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法具象绘画不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

13 摆

用笔将颜料直接放在画布的.技法称摆，摆是油画基本的笔法。常用在油画开始和结束时，以较肯定的颜色准确的笔触寻找色彩与形体关系，关键处只需几笔就能使画面改观，当然下笔前应先做到成竹在胸方可奏效。

14 擦

擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，形成不很明显的笔触，也是铺底色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使肌理更为明显，笔触更加浑厚。

15 刮

刮是油画刀的基本用途，刮的方法一般是用油画刀刮去画面上不理想的部分，或减弱过于强的关系，让显得紧张的画面关系松弛。长期作业在一天结束时往往需要把没有画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥，待第二天接着画。颜色干后也可用画刀把高低不平处刮得平整一些。还可在颜色层上用刀刮出底色，以显现各种肌理。

16 涂

如果说点画法和勾画法是形成油画点与线的手段的话，那么涂就是构成油画大关系的主要方法。涂的方法有平涂、厚涂和薄涂等。平涂是画大面积色块的主要方法，均匀的平涂也是装饰性油画的常用技法。厚涂则是油画区别于其它画种用笔的主要特征形式，使颜料产生一定的厚度并留下明显的笔触形成肌理。用画刀把极厚的颜料刮在画布上，称为堆涂。薄涂是将颜色稀释后薄薄地涂上画面，产生透明或半透明的效果。散涂灵活多变、气韵生动。

4. 怎样利用色调来营造油画艺术作品的氛围

油画有两大创作要素，一是造型，二是色彩。色彩是油画的“半壁江山”，色彩是油画的语言，油画作品所蕴藏的丰富的情感情绪主要是通过色彩的渲染来抒发来表达。色彩也是油画最突出的优势和特色。

怎样利用色彩来营造油画作品的氛围，一直是艺术家努力探索实践的课题。从油画诞生初期古典主义创立形成之时，以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的油画艺术家就积极摸索油画创作中的色彩关系处理运用，取得了丰硕的成果和宝贵的经验。

后印象主义大师梵高对于色彩的运用更是瑧于幻境。《向日葵》艳而不俗，挺拔妩媚，《麦田》还原了大地原野一片片成熟的小麦随风摇摆丰收在望的景象，《星空》以色彩的交织变幻让人仿佛感受到了星云的滚滚翻动宇宙在不停的运行。

怎样运用色彩来营造油画的氛围，大师们的经典之作就是最好的榜样。

5. 在油画的创作中，如何正确的观察色彩

6. 油画怎么调色

油画基本调色技术：

1、真正的调色不能在调色板上，而应在画布上，只有画面才能告诉你需要什么颜色。写生作画，眼睛基本不看调色板，而看画面与对象。即使在调色板上取用几种颜色也是简单地调合，在画面上才是最后的综合。如果在画板上调得过分均匀，色感必单调死板。

此外，画面存在未干的颜色，调色时必须考虑画面颜色成分，如果在调色板上调准了颜色，加上画面已有的底色又会变得不准。

2、颜色种类不必太多，十多种即可，它们是：白、柠檬黄、中黄、土黄、金土黄、(或生赭)、桔黄、朱红、西洋红、深红(或紫红)、淡紫红、土红、熟褐、粉绿、土绿(或橄榄绿)、翠绿、湖蓝、群青、黑。19至21种颜色即可。

3、调色板上放颜色的顺序，基本可按前面所提颜色顺序排下来，暖色放一边，冷色放一边，而每一种颜色又由浅到深排列，如柠檬黄、中黄、土黄、生赭......这样就有一种素描深浅之概念。假如在画很深颜色的暗部，需要再亮一点暖一点，就可试调生赭，不够再用土黄，再不够可用中黄，以此类推。画暗部千万不可乱用白色，一用白色就不透明了，颜色发粉。

4、白、土黄、土红、熟褐、土绿、翠绿、群青、黑，是油画的基本常用色，它们也不易变色。熟褐、深红、翠绿是暗部用色的三个宝。土黄、土红是亮部的基本常用色。柠檬黄是风景作品中高光、逆光、亮部很可贵的颜色，色感较冷。

土绿(或橄榄绿)、中绿，对画树而言，起万能的作用，如树的暗部土绿加熟褐，偏冷可加群青，树的亮部中绿加土黄、柠檬黄，夕阳或秋叶可再加桔黄。

5、头像暗部：土红加象牙黑(北欧学派，较透明)，土红加翠绿(东欧学派)。如果用朱红加中绿也可产生相当不错的暗部色彩。粉绿、淡紫红是脸部和人体中间过渡面的调合色。 画很白的女人体，白、土黄、土红、粉绿、中绿是基本用色，有时需要朱红。

室内头像高光：白加象牙黑，少量土黄。要学会运用象牙黑。暗部、亮部、中间色调都可用，往往同白色一样重要。颜色粉，往往问题产生在暗部，暗部不透明，画粉了，整个画面就会太粉。

6、在同一物体的同一色彩中还会有冷暖的变化，不会绝对均匀，肯定有偏蓝紫或偏黄绿等色，如果对色彩敏感，是可以感觉得到的。

因此在每一局部色块中，都应有所选择，把最美的色彩倾向扩大为整体的色彩。如果每一局部色块都有所取舍和提高，整体的色彩感就比真实的色彩更加完美。要养成会找好看色彩的倾向。

7、如果要形成色调，要肯定色调总的倾向，然后在调色上加以处理。例如金黄色的秋天，总倾向是偏黄色的调子，以中黄为基色。就可在暗部、亮部、天、地、树等一切色块中，成分不同地调入中黄。

要大面积色彩调合，小面积色彩对比。可以适当把冷色加暖，暖色变冷，色彩会更加好看，如冷红、暖灰。

8、透明覆色

即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色，由于每层的颜色都较稀薄，下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。

例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。

这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。

9、不透明覆色

也称多层次着色法，作画时先用单色画出形体大貌，然后用颜色多层次塑造，暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。

表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。

10、不透明着色

也称为直接着色法、即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色，基本上一次画完，不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚，色彩饱和度高，笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。

19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；

散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。

(6)工业题材的油画的色彩如何把握扩展阅读：

油画颜料调色

先用笔蘸一点油画色，再蘸一点调色油调匀即可上画。紫色和绿色相当重要，千万少用纯色，世界上纯色的东西实在太少，初学一定少用水。调色公式：

熟 褐 色 = 柠檬黄 + 纯黑色 + 玫瑰红

粉玫瑰红 = 纯白色 + 玫瑰红

朱红色 = 柠檬黄 + 玫瑰红

暗红色 = 玫瑰红 + 纯黑色

紫红色 = 纯紫色 + 玫瑰红

褚石红 = 玫瑰红 + 柠檬黄 + 纯黑色

粉蓝色 = 纯白色 + 天蓝色

蓝绿色 = 草绿色 + 天蓝色

灰蓝色 = 天蓝色 + 纯黑色

浅灰蓝 = 天蓝色 + 纯黑色 + 纯紫色

粉绿色 = 纯白色 + 草绿色

黄绿色 = 柠檬黄 + 草绿色

墨绿色 = 草绿色 + 纯黑色

粉紫色 = 纯白色 + 纯紫色

咖啡色 = 玫瑰红 + 纯黑色

藤黄色 = 柠檬黄 + 玫瑰红

土黄色 = 柠檬黄 + 纯黑色 + 玫瑰红

不管什么颜色注意 ：只能用2-3种颜色调出来，过多的颜色，调出来的非常的不纯。

7. 李家顺《工业时代之“雾霾”》作品是运用什么油画技法

李家顺的《工业时代之“雾霾”》运用黑白盔构图技巧，无色彩的深浅或有色彩的明度或线的疏密构成关系。因而“黑”或“白”非指纯黑或纯白，它是相比较而言差距大的深色与浅色的对比。这种对比从明度 上来讲都可以被称为“黑白关系"的对比。而中间的过渡为“灰"。 黑白灰构图就是把具象油画作品中的立体关系平面化，画面细节 概括化，画面色彩黑白化，画面结构组合化的一种画面关系，是一种整合具象图 形的构图方法。也就是将画面色彩简化和概括，从而形成视觉效果较强的黑形，当任何一幅具象油画作品在隐去了画面细节和色彩后，呈现 给我们的就是画面整体的黑白灰布局。这种近乎抽象的画面语言能够强烈、迅 速地帮助我们形成构图特色，表现作品的主题思想，烘托形象的感染力。而当 这种结构关系符合观者的视觉心理时，观者就会不自觉的被其吸引。黑白灰构图的视觉原理与黑白灰提取黑白灰构图为何能强烈的吸引观者的注意，为何能明确而全面的表达画面 的情感?这需要从视觉与心理的关系来考察。若要弄清楚视觉与心理的共 鸣性，还需要先搞清楚视觉与知觉的概念。“视觉"是指由眼睛获得的对事 物的感觉与知觉的统称，它是首要的感觉器官，在认识客体时起主导作用。一 般人们都是通过视觉来认识事物，再经过其他的感觉器官，如嗅觉器官、触觉 器官或听觉器官的感知，之后才会对具体事物产生所谓的“意识"。这里的“意 识"其实就是大脑对事物所带来的印象，也就是人们常说的“感觉"。黑白灰构图对画面中较为琐碎、零乱的 色彩、图形进行整合，让画面中物体的“体"与单个视觉元素的“形”形成有 机的整体关系，充分的让画面细节融合于画面的构成之中，为画面的整体效果服务。因此，具象油画的黑白灰构图不但可以处理画面整体构图的结构问题， 还可以处理画面中的微观细节。有助于串联图形形成整体结构。 黑白灰构图并不是一种全新的构图方法，也不和传统的点线面构图方法相悖，它旨在通过对实际场景或典型具象作品的分析，运用原始视觉素材中 图形色彩的归纳与图形结构和自身属性的研究，从而让构图过程与实际的油画 创作同时完成。它不单单是一项构图的技法，它还是一种绘画的观察方法，更 是一种读懂画面构图形式与画面主题关系的认识方法。油画《工业时代之“雾霾”》在灰黑色调的画面中数幢高楼矗立，提供了一个近几年困扰大众的“雾霾”天气的艺术情境，以油画的形式关注了工业时代的环境问题。油画作品不同于一般意义上的公益宣传画，它更多偏重于画家的自我感受和个性化思考，注重运用油画的本体语言达成图像价值，而不仅仅是某种观念的简单图解。对现实关注的多元化倾向是现实主义油画发展的必然趋势，人们也呼唤更多能够深度反映社会现实的精品力作来触动人心，启迪民智，也只有这样才能进一步体现油画在当代的现实价值。作品通过巧妙的立意，以这个时代具有典型意义的题材为切入点进行个性化表现，让手中的画笔得以从小视角来审察大时代，更显其独特的价值。

8. 画油画诀窍和调色要点

画画，画的是画者对世界的认识与感受，不要执着于技巧！

油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家在实践中创造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现效果。油画主要技有： ① 透明覆色法，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。 ② 不透明覆色法，也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。 ③ 不透明一次着色法，也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。 作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特的美——绘画性。 1:准备好所需要的材料!如(颜料油画笔松节油油画专用油油画调色板废旧报纸油画刀) 2:油画框用定做的比较好,一般是木头框!绷上油画布(麻布)!(根据自己想画的大小可以任意做).然后刷三次乳白胶!一定要刷到位!待干后就可以画了!这些东西在美术用品店有售!大学附近也有售! 一个框子加布如果是半开那样大的话售价在20元左右!具体还有什么疑问可以留言在你的问题下面!然后给你解决!有专门的入门书籍，从画布，颜色的设配开始。你已经学过水粉，应该已以有过素描的基础，相信应该会很快掌握的。 还有，刷一层白乳胶就行（厚薄自己掌握，效果会不一样），只要不漏油，我平常练习就经常这样画，效果还很不错。但这样的画不利于保存，也不便于展览，你可以尝试画在木板上，同样刷上胶，画起来感觉会很好，也便于保存。 油画和水粉在画法上相近 如果你有水粉基础 应该很快就能上手的，只是油画当然不象水粉干的这么快 所以在覆盖的时候要采用点小技巧：可以干了以后画（不是要全干，只要不影响颜色覆盖即可了） 也就是一层一层画，先打底，打底时用快干油，然后快干油的用量要层层递减，如果在堆颜色的时候发现需要修改 则要用刮刀刮去．我个人觉得水粉能画到什么程度 油画就能画到什么程度了～！那再介绍一下油画需要用的工具：油画颜料（马利，温沙牛顿比较好 别买美邦的） 油画笔（圆头猪鬃为主，扇形笔，刻画细部用的小尖笔），画框，调色油，快干油，刮刀，调色板，塑型膏（一般刚买来的木制调色板都会吸油，所以最好用塑型膏在表面涂一层），报纸撕成小块擦笔用（油画笔脏了不象画水粉水里一甩就干净了 它只能用报纸擦），松节油（既可以调色用又可以洗笔，这里的洗笔是指你每天画完后一段时间内不画时才用的办法哦，不洗干净画笔的话下次在用时笔就干了 而且很难洗干净几乎就废了） 差不多这些就可以满足你的油画愿望了～～ 最后提醒你，油画是需要很扎实的功底的,这需要长时间刻苦的练习,不是一句话就能解释的了的,艺术一途没有捷径,只有多练多看多想多请教 挫 挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。 拍 用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。 揉 揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。 线 线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早期油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦泼拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放、工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。 油画 油画是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料，绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”（Temere）画法，即用鸡蛋黄或蛋清作为调料溶合矿物颜料作画，再作薄而透明油色罩在画上。15世纪，尼德兰画家凡? 爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，使颜色易于调和，被广泛地运用。特点为运笔自如，并可层层敷设，提高色彩亮度，能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此，新材料和新技法很快流传全欧洲。凡? 爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多，其中李叔同（1880―1952）最早研习油画并把这种技法介绍到中国来。这确实是所有漫画人都在提出的问题：画漫画是个苦差事，前途看起来又不那么光明，我们怎么办？ 在这环境下，我不会走纯漫画的路线，而倾向在艺术家和漫画家中间摸索一个比较适合的方向，那就可以走出一条不一样的路。因为纯粹只画漫画，出路太少了，不要说家人，连自己也会对自己失去信心。创作是一种行动，自己给自己要求，有时可以少睡两小时而多画两页漫画，时间都由自己安排，而不是坚持每晚要睡八小时然后说时间不够。可是暂时很少见有人这样努力不懈，不惜一切地画画，而是将时间放在别的事情上。慢慢沉淀不用急……因为小朋友不会留意权力和金钱的重要性，所以做艺术的人最好像一个小朋友那样不理会金钱和权力，也不牵涉进入这些事务，才能做出好作品。这点是可以从以前的艺术家身上得到证明的，我们都要尽量去平衡所有方面的东西吧！

9. 画油画时色彩的过度都有哪些方法怎样才能使色彩过渡的更柔和

过度色——属于中间灰或叫高级灰，方法调出两种色调的中间色，但不要色差太大，大了过度不会柔和，注意冷暖关系——相互融合这样会曾加画面的跳跃，写实油画要求更高。印象派讲究色调。。。。建议，，看一油画专业资料。靳尚谊的油画讲章，

10. 画油画时，如何能让色彩稳定

在油的调和过程中要注意，可加些亚麻油，但不能太多。在调色时由深及浅，不然会粉