工業題材的油畫的色彩如何把握

1. 如何理解油畫中的色彩關系以及油畫色彩底紋

如何理解油畫中的色彩關系
一、油畫色彩關系 所謂色彩關系，在這里主要是指物體在不同的光照下其色彩產生變化的一般規律。長期以來，人類一直都是更多地通過直觀去認識物體的色彩，那時人們的思想中只有固有色的概念，即所謂的紅太陽、黃土地、白雲、藍天……只有近代自然科學的發展才給我們提供了新的有關色彩的知識，從此人類終於懂得了大自然之所以呈現出五彩繽紛、萬紫千紅，是由於各種不同的物體吸收或反射光波的能力有所不同的緣故。於是認識到除了物體本身的固有色以外，對物體所呈現的色彩起重要作用的還有光源色和環境色。

人類很早就發現了色彩的冷暖關系，即凡是偏紅、黃的顏色都屬暖色，而凡是偏藍、綠的顏色都屬冷色。暖色通常都給人造成一種亢奮的刺激，而冷色則給人留下一種退縮的感覺。靈活地運用色彩的冷暖對比，可使我們在畫面上創造出強烈的空間感覺。繪畫中的冷暖又是一個相對的概念，或冷或暖依對比而言。一個有經驗的色彩畫家會非常迅速和恰如其分地把握畫面色調微妙的冷暖變化，並且主動大膽地去運用這種關系，使之服務於自己的藝術創造。而對一個初學者來說，學習如何去掌握和擁有這種能力，則是一個相當重要的課題。因為客觀物象色調的冷暖變化，常常並不都是那樣鮮明的，它們常常處於一種模糊的狀態之中，只有當我們掌握了這種色彩知識，才有可能去進行正確的認識和判斷。

我們將任何一個原色與另兩個原色相混合所構成的間色相加就可獲得完整的日光的顏色，於是我們可以從中認識到色彩的三組互為補充的關系（即補色關系）。紅——綠（藍十黃）藍——橙（黃十紅）黃——紫（紅+藍）原色都是最為純凈的色彩，而只要我們在其中加入對比色的成分它就會馬上顯得混濁起來，而且越是保持原色狀態的顏色對比越強烈，加入對比色（間色）的成分越多，色彩的對比越弱。可以說能否熟練地掌握色彩的冷暖對比和補色關系，是我們能否學好色彩的一個極為重要的關鍵，在這個問題上也同樣沒有什麼捷徑可走，只有經過長期的刻苦訓練，才有可能掌握並且得心應手地運用這種色彩表現的語言。
二、油畫色相 色相就是色彩的傾向，即色彩的姓甚名誰，其實即便是最為含混不清的各種灰色也自有其明確的色彩傾向。辨別的方向仍舊和前面所介紹的一樣，只要我們把各種不同的灰色放在一起去進行比較，馬上就會判明哪塊顏色偏紅灰、哪塊顏色偏綠灰，或者黃灰、紫灰……一幅缺乏明確的色彩傾向的繪畫作品是令人乏味的，而一個色彩畫高手恰恰十分擅長去設法從那種極為接近的色相中找出一些微妙的傾向來。這對初學者而言肯定也是一道大大的難題，因而他們的畫面色彩一般都會顯得單調、晦暗、呆板。在古典油畫時代，由於那時的畫家作畫時更多的是依賴於畫面的素描關系，因而那時的油畫基本上都是「醬油色調」，很少看得出多少明確的色相來。今天的現代油畫使這一切都從根本上得到改觀，許多現代畫家的油畫作品可以說就是用純色畫出來的，這就是為什麼當們參觀現代油畫展覽時往往總能夠感受到一種清新的空氣與生命的激情。
三、油畫色度 色度是指色彩的明暗與深淺的程度，也叫明度。若用未經嚴格訓練的眼睛去恰如其分地分辨色彩的色度是很困難的。比如說直接從錫管里擠出來的紅顏料和綠顏料，由於紅色更能刺激人的眼睛，一般人很可能會覺得之比綠色更亮。但如果我們把它拍成黑白照片，說不定你會發現它們的深淺程度原來是一樣的。區分不同色相而色度又很接近的色塊的深淺，同樣需要用比較的方法。如果我們不能在畫面上區分出各色塊的微妙的色度關系，那麼這幅作品肯定就表現不出豐富的素描層次來。
四、油畫純度（飽和度） 純度是指色彩純凈的程度。純度這個概念也與色相密切相連，一般的情況下越是色相明確的顏色純度越高（白色或某些帶粉質的顏色除外）。原色是最為純凈的顏色，因而有最高的飽和度。相反，調和次數越多或者加粉、加黑越多的顏色就越缺乏飽和度。一幅色彩艷麗的繪畫作品上至少總要有那麼或大或小的一塊或幾塊飽和度比較高的色彩。完全沒有飽和色的畫面肯定是疲軟無力的；反之飽和度一旦超過了畫面的需要時，又會使人覺得色彩淺薄、單調。這時我們就要設法降低它，方法也是調入各種對比色、灰色和帶粉的顏料。

2. 油畫風景中色彩如何把握

色彩的運用與把握在油畫風景寫生中是最重要的環節之一。

一天之中，根據陽光光線的不斷變化，大自然的色彩也是在不斷變化中的。那麼，我們要如何把這種變幻中的色彩搬到畫面上，就是風景油畫寫生的靈魂所在。

需要注意的有以下三方面：一是色彩在畫面上的整體運用，整幅畫面的色調是否協調。



二是色彩與色彩之間的組織結構關系，如色相關系、明度關系、面積關系、位置關系等。



以大自然的固有色為基礎色，加上自然界的光源色、環境色、空間色以及畫家自身的藝術加工，把畫面的色綵排好順序。

3. 油畫的繪畫技巧

油畫的繪畫技巧

油畫是西洋畫的主要畫種之一。憑借顏料的遮蓋力和透明性能較充分地表現描繪對象，色彩豐富，立體質感強。下面我給大家介紹油畫的繪畫技巧，希望對大家有所幫助，歡迎閱讀!

油畫的繪畫技巧

1 揉

油畫中揉是指把畫面上兩種或幾種不同的顏色用筆直接混合的方法，顏色混合後產生自然的混合變化，可以獲得微妙而色彩傾向鮮明的顏色及明暗對比，還可起到過渡銜接的作用。

2 線

指用筆勾畫的線條，油畫勾線一般用軟的狼毫油畫筆，不同的繪畫風格中，圓頭、尖頭和舊的扁筆也可勾畫出中鋒般的線條。東西方繪畫開始時都是用線造型的，在古典油畫中通常都以精確嚴謹的線條輪廓起稿，坦培拉技法中排線形式是形成明暗的主要手段。西方油畫到後來才演變為以明暗和體積為主，盡管如此，油畫中線的因素也未消失過。或精細或隨意以及反復交錯疊壓的各種線條運用，使油畫語言更為豐富，不同形體邊線處理十分重要。東方繪畫的用線影響了很多西方現代大師，如馬蒂斯、梵谷、畢加索、米羅等都是用線的高手。

3 挫

運用油畫筆的根部落筆的著色的方法，按下筆後稍用力，挫動然後提起，如書法的逆鋒行筆，蒼勁有力。筆尖與筆根蘸取顏色的差異、按筆的輕重方向不同能產生多種變化和趣味。

4 拍

以寬油畫筆或扇形筆蘸色後在畫面上輕輕拍打的技法稱為拍。拍能產生一定的起伏肌理，既不十分明顯，又不致過於簡單，也可處理原先太強的筆觸或色彩，把效果減弱。

5 拉

拉是指油畫中有時需要畫出堅挺的線條和物體邊緣如畫鋒利即劍或玻璃的側面等，這時可用畫刀調准顏色後用刀刃一側將顏色在畫面上拉出色線或色面，畫刀畫出的形體堅實肯定，是畫筆或其它方法難以達到的。

6 刷

刷一般使用大畫筆，用畫筆的中前段在畫面刷，通常刷時用較稀薄的顏色大面積進行，可形成不很明顯的筆觸，刷是畫面中大關系底色的常用方法。

7 砌

砌的方法是用刀代替畫筆，像泥瓦匠用泥刀環泥灰那樣將顏色砌到畫布上去，直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄層次變化，刀的大小和形狀以及用刀的方向不同也會產生豐富的對比。用畫刀調取不同的顏色不作過多調合，任其在畫面上自然地混合能產生微妙的色彩關系。起伏過大的色層也可用砌的方法將其砌平。砌的方法如果使用得當，就會有很強的塑造感

8 抑

抑是用刀的底面在濕的顏色層上輕輕向下壓後提起，顏色表面會產生特殊的肌理。在有些需要刻畫特殊質感的地方用抑技法可達到預期的效果。

9 點

點--眾法自點始，一切筆法均出發於點。早在古典坦培拉技法中，點畫法就是～種表現層次的重要技法。在維米爾的作品中也使用了點的筆觸來表現光的閃爍和物體質地。印象派時點彩筆法成了其基本特徵之一，但莫奈、雷諾阿和畢沙羅等的點法各自具有不同的變化和個性。新印象派則走向極端，機械地將點作為其唯一的筆法。現代寫實油畫中也有沿用以點的疏密來產生明暗層次的，可以造成肯定又不死板的過渡。點的方法在綜合性畫法中與線條和體面結合可產生豐富的對比，用不同形狀和質地的油畫筆又可產生不同的點狀筆觸，對表現某些物體的質感能起獨特的作用。

10 劃

劃指用畫刀的刀鋒在未乾的顏色上刻畫出陰線條和形有時可露出底層色來。不同的畫刀能產生深淺粗細不同的變與畫筆的筆觸及畫刀利的技法產生的色面形成點、線、面的對起伏的肌理變化。

11 掃

掃常用來銜接鄰接的色塊，使之自然含蓄，趁顏色未乾時以干凈的扇形筆輕輕掃掠就可達到此目的。也可在底層色上用筆將另一種顏色掃上去來產生上下交錯、松動而不膩的色彩效果。

12 跺

指用硬的豬鬃畫筆蘸色後以筆的頭部垂直地將顏料跺在畫面上。跺的方法具象繪畫不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的時候才應用。

13 擺

用筆將顏料直接放在畫布的.技法稱擺，擺是油畫基本的筆法。常用在油畫開始和結束時，以較肯定的顏色准確的筆觸尋找色彩與形體關系，關鍵處只需幾筆就能使畫面改觀，當然下筆前應先做到成竹在胸方可奏效。

14 擦

擦是把畫筆橫卧，用畫筆的腹部在畫面擦，通常擦時用較少的顏色大面積進行，形成不很明顯的筆觸，也是鋪底色的常用方法。在幹了的底色或起伏的肌理上用擦的筆法可畫出類似國畫飛白的效果，使肌理更為明顯，筆觸更加渾厚。

15 刮

刮是油畫刀的基本用途，刮的方法一般是用油畫刀颳去畫面上不理想的部分，或減弱過於強的關系，讓顯得緊張的畫面關系鬆弛。長期作業在一天結束時往往需要把沒有畫完的部分顏色用刀颳去以便及時乾燥，待第二天接著畫。顏色干後也可用畫刀把高低不平處颳得平整一些。還可在顏色層上用刀刮出底色，以顯現各種肌理。

16 塗

如果說點畫法和勾畫法是形成油畫點與線的手段的話，那麼塗就是構成油畫大關系的主要方法。塗的方法有平塗、厚塗和薄塗等。平塗是畫大面積色塊的主要方法，均勻的平塗也是裝飾性油畫的常用技法。厚塗則是油畫區別於其它畫種用筆的主要特徵形式，使顏料產生一定的厚度並留下明顯的筆觸形成肌理。用畫刀把極厚的顏料刮在畫布上，稱為堆塗。薄塗是將顏色稀釋後薄薄地塗上畫面，產生透明或半透明的效果。散塗靈活多變、氣韻生動。

4. 怎樣利用色調來營造油畫藝術作品的氛圍

油畫有兩大創作要素，一是造型，二是色彩。色彩是油畫的「半壁江山」，色彩是油畫的語言，油畫作品所蘊藏的豐富的情感情緒主要是通過色彩的渲染來抒發來表達。色彩也是油畫最突出的優勢和特色。

怎樣利用色彩來營造油畫作品的氛圍，一直是藝術家努力探索實踐的課題。從油畫誕生初期古典主義創立形成之時，以達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾為代表的油畫藝術家就積極摸索油畫創作中的色彩關系處理運用，取得了豐碩的成果和寶貴的經驗。

後印象主義大師梵高對於色彩的運用更是瑧於幻境。《向日葵》艷而不俗，挺拔嫵媚，《麥田》還原了大地原野一片片成熟的小麥隨風搖擺豐收在望的景象，《星空》以色彩的交織變幻讓人彷彿感受到了星雲的滾滾翻動宇宙在不停的運行。

怎樣運用色彩來營造油畫的氛圍，大師們的經典之作就是最好的榜樣。

5. 在油畫的創作中，如何正確的觀察色彩

6. 油畫怎麼調色

油畫基本調色技術：

1、真正的調色不能在調色板上，而應在畫布上，只有畫面才能告訴你需要什麼顏色。寫生作畫，眼睛基本不看調色板，而看畫面與對象。即使在調色板上取用幾種顏色也是簡單地調合，在畫面上才是最後的綜合。如果在畫板上調得過分均勻，色感必單調死板。

此外，畫面存在未乾的顏色，調色時必須考慮畫面顏色成分，如果在調色板上調准了顏色，加上畫面已有的底色又會變得不準。

2、顏色種類不必太多，十多種即可，它們是：白、檸檬黃、中黃、土黃、金土黃、(或生赭)、桔黃、朱紅、西洋紅、深紅(或紫紅)、淡紫紅、土紅、熟褐、粉綠、土綠(或橄欖綠)、翠綠、湖藍、群青、黑。19至21種顏色即可。

3、調色板上放顏色的順序，基本可按前面所提顏色順序排下來，暖色放一邊，冷色放一邊，而每一種顏色又由淺到深排列，如檸檬黃、中黃、土黃、生赭......這樣就有一種素描深淺之概念。假如在畫很深顏色的暗部，需要再亮一點暖一點，就可試調生赭，不夠再用土黃，再不夠可用中黃，以此類推。畫暗部千萬不可亂用白色，一用白色就不透明了，顏色發粉。

4、白、土黃、土紅、熟褐、土綠、翠綠、群青、黑，是油畫的基本常用色，它們也不易變色。熟褐、深紅、翠綠是暗部用色的三個寶。土黃、土紅是亮部的基本常用色。檸檬黃是風景作品中高光、逆光、亮部很可貴的顏色，色感較冷。

土綠(或橄欖綠)、中綠，對畫樹而言，起萬能的作用，如樹的暗部土綠加熟褐，偏冷可加群青，樹的亮部中綠加土黃、檸檬黃，夕陽或秋葉可再加桔黃。

5、頭像暗部：土紅加象牙黑(北歐學派，較透明)，土紅加翠綠(東歐學派)。如果用朱紅加中綠也可產生相當不錯的暗部色彩。粉綠、淡紫紅是臉部和人體中間過渡面的調合色。 畫很白的女人體，白、土黃、土紅、粉綠、中綠是基本用色，有時需要朱紅。

室內頭像高光：白加象牙黑，少量土黃。要學會運用象牙黑。暗部、亮部、中間色調都可用，往往同白色一樣重要。顏色粉，往往問題產生在暗部，暗部不透明，畫粉了，整個畫面就會太粉。

6、在同一物體的同一色彩中還會有冷暖的變化，不會絕對均勻，肯定有偏藍紫或偏黃綠等色，如果對色彩敏感，是可以感覺得到的。

因此在每一局部色塊中，都應有所選擇，把最美的色彩傾向擴大為整體的色彩。如果每一局部色塊都有所取捨和提高，整體的色彩感就比真實的色彩更加完美。要養成會找好看色彩的傾向。

7、如果要形成色調，要肯定色調總的傾向，然後在調色上加以處理。例如金黃色的秋天，總傾向是偏黃色的調子，以中黃為基色。就可在暗部、亮部、天、地、樹等一切色塊中，成分不同地調入中黃。

要大面積色彩調合，小面積色彩對比。可以適當把冷色加暖，暖色變冷，色彩會更加好看，如冷紅、暖灰。

8、透明覆色

即用不加白色而只是被調色油稀釋的顏料進行多層次描繪。必須在每一層干透後進行下一層上色，由於每層的顏色都較稀薄，下層的顏色能隱約透露出來，與上層的顏色形成變化微妙的色調。

例如在深紅的色層上塗罩穩重的藍色，就會產生藍中透紫即冷中寓暖的豐富效果，這往往是調色板上無法調出的色調。

這種畫法適於表現物象的質感和厚實感，尤其能惟妙惟肖地描繪出人物肌膚細膩的色彩變化，令人感到肌膚表皮之下流動著血液。它的缺點是色域較窄，製作過程工細，完成作品的時間長，不易於表達畫家即時的藝術創作情感。

9、不透明覆色

也稱多層次著色法，作畫時先用單色畫出形體大貌，然後用顏色多層次塑造，暗部往往畫得較薄，中間調子和亮部則層層厚塗，或蓋或留，形成色塊對比。由於厚薄不一，顯出色彩的豐富韻意與肌理。透明與不透明兩種畫法沒有嚴格的區別，畫家經常在一幅畫作中綜合運用。

表現處在暗部或陰影中的物象時，用透明覆色法可以產生穩定、深邃的體積感和空間感；不透明覆色法則易於塑造處在暗部以外的形體，增加畫面色彩的飽和度。19世紀以前的畫家大都採用這兩種畫法，製作作品的時間一般較長，有的畫完一層後經長期放置，待色層完全乾透後再進行描繪。

10、不透明著色

也稱為直接著色法、即在畫布上作出物象形體輪廓後，憑借對物象的色彩感覺或對畫面色彩的構思鋪設顏色，基本上一次畫完，不正確的部位用畫刀颳去後繼續上色調整。這種畫法中每筆所蘸的顏料比較濃厚，色彩飽和度高，筆觸也較清晰，易於表達作畫時的生動感受。

19世紀中葉後的許多畫家較多採用這種畫法。為使一次著色後達到色層飽滿的效果，必須講究筆勢的運用即塗法，常用的塗法分為平塗、散塗和厚塗。平塗就是用單向的力度、均勻的筆勢塗繪成大面積色彩，適於在平穩、安定的構圖中塑造靜態的形體；

散塗指的是依據所畫形體的自然轉折趨勢運筆，筆觸比較鬆散、靈活；厚塗則是全幅或局部地厚堆顏料，有的形成高達數毫米的色層或色塊，使顏料表現出質地的趣味，形象也得到強化。

(6)工業題材的油畫的色彩如何把握擴展閱讀：

油畫顏料調色

先用筆蘸一點油畫色，再蘸一點調色油調勻即可上畫。紫色和綠色相當重要，千萬少用純色，世界上純色的東西實在太少，初學一定少用水。調色公式：

熟 褐 色 = 檸檬黃 + 純黑色 + 玫瑰紅

粉玫瑰紅 = 純白色 + 玫瑰紅

朱紅色 = 檸檬黃 + 玫瑰紅

暗紅色 = 玫瑰紅 + 純黑色

紫紅色 = 純紫色 + 玫瑰紅

褚石紅 = 玫瑰紅 + 檸檬黃 + 純黑色

粉藍色 = 純白色 + 天藍色

藍綠色 = 草綠色 + 天藍色

灰藍色 = 天藍色 + 純黑色

淺灰藍 = 天藍色 + 純黑色 + 純紫色

粉綠色 = 純白色 + 草綠色

黃綠色 = 檸檬黃 + 草綠色

墨綠色 = 草綠色 + 純黑色

粉紫色 = 純白色 + 純紫色

咖啡色 = 玫瑰紅 + 純黑色

藤黃色 = 檸檬黃 + 玫瑰紅

土黃色 = 檸檬黃 + 純黑色 + 玫瑰紅

不管什麼顏色注意 ：只能用2-3種顏色調出來，過多的顏色，調出來的非常的不純。

7. 李家順《工業時代之「霧霾」》作品是運用什麼油畫技法

李家順的《工業時代之「霧霾」》運用黑白盔構圖技巧，無色彩的深淺或有色彩的明度或線的疏密構成關系。因而「黑」或「白」非指純黑或純白，它是相比較而言差距大的深色與淺色的對比。這種對比從明度 上來講都可以被稱為「黑白關系"的對比。而中間的過渡為「灰"。 黑白灰構圖就是把具象油畫作品中的立體關系平面化，畫面細節 概括化，畫面色彩黑白化，畫面結構組合化的一種畫面關系，是一種整合具象圖 形的構圖方法。也就是將畫面色彩簡化和概括，從而形成視覺效果較強的黑形，當任何一幅具象油畫作品在隱去了畫面細節和色彩後，呈現 給我們的就是畫面整體的黑白灰布局。這種近乎抽象的畫面語言能夠強烈、迅 速地幫助我們形成構圖特色，表現作品的主題思想，烘托形象的感染力。而當 這種結構關系符合觀者的視覺心理時，觀者就會不自覺的被其吸引。黑白灰構圖的視覺原理與黑白灰提取黑白灰構圖為何能強烈的吸引觀者的注意，為何能明確而全面的表達畫面 的情感?這需要從視覺與心理的關系來考察。若要弄清楚視覺與心理的共 鳴性，還需要先搞清楚視覺與知覺的概念。「視覺"是指由眼睛獲得的對事 物的感覺與知覺的統稱，它是首要的感覺器官，在認識客體時起主導作用。一 般人們都是通過視覺來認識事物，再經過其他的感覺器官，如嗅覺器官、觸覺 器官或聽覺器官的感知，之後才會對具體事物產生所謂的「意識"。這里的「意 識"其實就是大腦對事物所帶來的印象，也就是人們常說的「感覺"。黑白灰構圖對畫面中較為瑣碎、零亂的 色彩、圖形進行整合，讓畫面中物體的「體"與單個視覺元素的「形」形成有 機的整體關系，充分的讓畫面細節融合於畫面的構成之中，為畫面的整體效果服務。因此，具象油畫的黑白灰構圖不但可以處理畫面整體構圖的結構問題， 還可以處理畫面中的微觀細節。有助於串聯圖形形成整體結構。 黑白灰構圖並不是一種全新的構圖方法，也不和傳統的點線面構圖方法相悖，它旨在通過對實際場景或典型具象作品的分析，運用原始視覺素材中 圖形色彩的歸納與圖形結構和自身屬性的研究，從而讓構圖過程與實際的油畫 創作同時完成。它不單單是一項構圖的技法，它還是一種繪畫的觀察方法，更 是一種讀懂畫面構圖形式與畫面主題關系的認識方法。油畫《工業時代之「霧霾」》在灰黑色調的畫面中數幢高樓矗立，提供了一個近幾年困擾大眾的「霧霾」天氣的藝術情境，以油畫的形式關注了工業時代的環境問題。油畫作品不同於一般意義上的公益宣傳畫，它更多偏重於畫家的自我感受和個性化思考，注重運用油畫的本體語言達成圖像價值，而不僅僅是某種觀念的簡單圖解。對現實關注的多元化傾向是現實主義油畫發展的必然趨勢，人們也呼喚更多能夠深度反映社會現實的精品力作來觸動人心，啟迪民智，也只有這樣才能進一步體現油畫在當代的現實價值。作品通過巧妙的立意，以這個時代具有典型意義的題材為切入點進行個性化表現，讓手中的畫筆得以從小視角來審察大時代，更顯其獨特的價值。

8. 畫油畫訣竅和調色要點

畫畫，畫的是畫者對世界的認識與感受，不要執著於技巧！

油畫工具材料的限定導致油畫繪制技法的復雜性。幾個世紀以來，藝術家在實踐中創造了多種油畫技法，使油畫材料發揮出充分的表現效果。油畫主要技有： ① 透明覆色法，即用不加白色而只是被調色油稀釋的顏料進行多層次描繪。必須在每一層干透後進行下一層上色,由於每層的顏色都較稀薄,下層的顏色能隱約透露出來，與上層的顏色形成變化微妙的色調。例如在深紅的色層上塗罩穩重的藍色，就會產生藍中透紫即冷中寓暖的豐富效果，這往往是調色板上無法調出的色調。這種畫法適於表現物象的質感和厚實感，尤其能惟妙惟肖地描繪出人物肌膚細膩的色彩變化，令人感到肌膚表皮之下流動著血液。它的缺點是色域較窄，製作過程工細，完成作品的時間長，不易於表達畫家即時的藝術創作情感。 ② 不透明覆色法，也稱多層次著色法。作畫時先用單色畫出形體大貌,然後用顏色多層次塑造,暗部往往畫得較薄，中間調子和亮部則層層厚塗，或蓋或留，形成色塊對比。由於厚薄不一，顯出色彩的豐富韻意與肌理。透明與不透明兩種畫法沒有嚴格的區別，畫家經常在一幅畫作中綜合運用。表現處在暗部或陰影中的物象時，用透明覆色法可以產生穩定、深邃的體積感和空間感；不透明覆色法則易於塑造處在暗部以外的形體，增加畫面色彩的飽和度。19世紀以前的畫家大都採用這兩種畫法，製作作品的時間一般較長，有的畫完一層後經長期放置，待色層完全乾透後再進行描繪。 ③ 不透明一次著色法，也稱為直接著色法。即在畫布上作出物象形體輪廓後，憑借對物象的色彩感覺或對畫面色彩的構思鋪設顏色,基本上一次畫完,不正確的部位用畫刀颳去後繼續上色調整。這種畫法中每筆所蘸的顏料比較濃厚,色彩飽和度高,筆觸也較清晰，易於表達作畫時的生動感受。19世紀中葉後的許多畫家較多採用這種畫法。為使一次著色後達到色層飽滿的效果，必須講究筆勢的運用即塗法，常用的塗法分為平塗、散塗和厚塗。平塗就是用單向的力度、均勻的筆勢塗繪成大面積色彩，適於在平穩、安定的構圖中塑造靜態的形體；散塗指的是依據所畫形體的自然轉折趨勢運筆，筆觸比較鬆散、靈活；厚塗則是全幅或局部地厚堆顏料，有的形成高達數毫米的色層或色塊，使顏料表現出質地的趣味，形象也得到強化。 作為一種藝術語言，油畫包括色彩、明暗、線條、肌理、筆觸、質感、光感、空間、構圖等多項造型因素，油畫技法的作用在於將各項造型因素綜合地或側重單項地體現出來，油畫材料的性能充分提供了在二度的平面底子上運用油畫技法的可能。油畫的製作過程就是藝術家自覺地熟練地駕馭油畫材料、選擇並運用可以表達藝術思想、形成藝術形象的技法的創造過程。油畫作品既表達了藝術家賦予的思想內容，又展示了油畫語言獨特的美——繪畫性。 1:准備好所需要的材料!如(顏料油畫筆松節油油畫專用油油畫調色板廢舊報紙油畫刀) 2:油畫框用定做的比較好,一般是木頭框!綳上油畫布(麻布)!(根據自己想畫的大小可以任意做).然後刷三次乳白膠!一定要刷到位!待干後就可以畫了!這些東西在美術用品店有售!大學附近也有售! 一個框子加布如果是半開那樣大的話售價在20元左右!具體還有什麼疑問可以留言在你的問題下面!然後給你解決!有專門的入門書籍，從畫布，顏色的設配開始。你已經學過水粉，應該已以有過素描的基礎，相信應該會很快掌握的。 還有，刷一層白乳膠就行（厚薄自己掌握，效果會不一樣），只要不漏油，我平常練習就經常這樣畫，效果還很不錯。但這樣的畫不利於保存，也不便於展覽，你可以嘗試畫在木板上，同樣刷上膠，畫起來感覺會很好，也便於保存。 油畫和水粉在畫法上相近 如果你有水粉基礎 應該很快就能上手的，只是油畫當然不象水粉乾的這么快 所以在覆蓋的時候要採用點小技巧：可以幹了以後畫（不是要全乾，只要不影響顏色覆蓋即可了） 也就是一層一層畫，先打底，打底時用快乾油，然後快乾油的用量要層層遞減，如果在堆顏色的時候發現需要修改 則要用刮刀颳去．我個人覺得水粉能畫到什麼程度 油畫就能畫到什麼程度了～！那再介紹一下油畫需要用的工具：油畫顏料（馬利，溫沙牛頓比較好 別買美邦的） 油畫筆（圓頭豬鬃為主，扇形筆，刻畫細部用的小尖筆），畫框，調色油，快乾油，刮刀，調色板，塑型膏（一般剛買來的木製調色板都會吸油，所以最好用塑型膏在表面塗一層），報紙撕成小塊擦筆用（油畫筆臟了不象畫水粉水裡一甩就干凈了 它只能用報紙擦），松節油（既可以調色用又可以洗筆，這里的洗筆是指你每天畫完後一段時間內不畫時才用的辦法哦，不洗干凈畫筆的話下次在用時筆就幹了 而且很難洗干凈幾乎就廢了） 差不多這些就可以滿足你的油畫願望了～～ 最後提醒你，油畫是需要很扎實的功底的,這需要長時間刻苦的練習,不是一句話就能解釋的了的,藝術一途沒有捷徑,只有多練多看多想多請教 挫 挫是用油畫筆的根部落筆著色的方法，按下筆後稍作挫動然後提起，如書法的逆鋒行筆，蒼勁結實。筆尖與筆根蘸取顏色的差異、按筆的輕重方向不同能產生多種變化和趣味。 拍 用寬的油畫筆或扇形筆蘸色後在畫面上輕輕拍打的技法稱為拍。拍能產生一定的起伏肌理，既不十分明顯，又不致過於簡單，也可處理原先太強的筆觸或色彩，使其減弱。 揉 揉是指把畫面上兩種或幾種不同的顏色用筆直接操合的方法，顏色操合後產生自然的混合變化，獲得微妙而鮮明的色彩及明暗對比，並可起到過渡銜接的作用。 線 線是指用筆勾畫的線條，油畫勾線一般用軟毫的尖頭緒，但在不同的風格中，圓頭、校形和舊的扁筆也可勾畫出類似書強中鋒般的渾厚線條。東西方繪畫開始時都是用線造型的，在早期油畫中通常都以精確嚴謹的線條輪廓起稿，坦潑拉技法中排線法是形成明暗的主要手段。西方油畫到後來才演變為以明暗和體首為主，但盡管如此，油畫中線的因素也從未消失過。纖細、豪放、工整或隨意不拘以及反復交錯疊壓的各種線條運用，使油畫語言更為豐富，不同形體邊線的處理更是十分重要。東方繪畫的用線也影響了很多西方現代大師的風格，如馬蒂斯、梵谷、畢加索、米羅和克利等都是用線的高手。 油畫 油畫是西洋繪畫中的主要的一個畫種。用快乾油質調和顏料，繪制在經過處理的畫布、板、厚紙或牆面上的繪畫藝術。早期油畫采有「坦潑拉」（Temere）畫法，即用雞蛋黃或蛋清作為調料溶合礦物顏料作畫，再作薄而透明油色罩在畫上。15世紀，尼德蘭畫家凡? 愛克兄弟改用亞麻仁油和核桃油等快乾油作為調和劑，使顏色易於調和，被廣泛地運用。特點為運筆自如，並可層層敷設，提高色彩亮度，能較充分地表現物體的真實感和豐富的色彩效果。從此，新材料和新技法很快流傳全歐洲。凡? 愛克兄弟因此被稱作歐洲油畫的創造人。20世紀初我國出現研習油畫者漸多，其中李叔同（1880―1952）最早研習油畫並把這種技法介紹到中國來。這確實是所有漫畫人都在提出的問題：畫漫畫是個苦差事，前途看起來又不那麼光明，我們怎麼辦？ 在這環境下，我不會走純漫畫的路線，而傾向在藝術家和漫畫家中間摸索一個比較適合的方向，那就可以走出一條不一樣的路。因為純粹只畫漫畫，出路太少了，不要說家人，連自己也會對自己失去信心。創作是一種行動，自己給自己要求，有時可以少睡兩小時而多畫兩頁漫畫，時間都由自己安排，而不是堅持每晚要睡八小時然後說時間不夠。可是暫時很少見有人這樣努力不懈，不惜一切地畫畫，而是將時間放在別的事情上。慢慢沉澱不用急……因為小朋友不會留意權力和金錢的重要性，所以做藝術的人最好像一個小朋友那樣不理會金錢和權力，也不牽涉進入這些事務，才能做出好作品。這點是可以從以前的藝術家身上得到證明的，我們都要盡量去平衡所有方面的東西吧！

9. 畫油畫時色彩的過度都有哪些方法怎樣才能使色彩過渡的更柔和

過度色——屬於中間灰或叫高級灰，方法調出兩種色調的中間色，但不要色差太大，大了過度不會柔和，注意冷暖關系——相互融合這樣會曾加畫面的跳躍，寫實油畫要求更高。印象派講究色調。。。。建議，，看一油畫專業資料。靳尚誼的油畫講章，

10. 畫油畫時，如何能讓色彩穩定

在油的調和過程中要注意，可加些亞麻油，但不能太多。在調色時由深及淺，不然會粉